許多人都是第一次走上國家音樂廳舞台，近距離欣賞劇偶、道具和攝影機的運作，就像是走入小人國一樣，十分驚奇。 【體育中心／綜合報導】因採訪NBA球星柯瑞而爆紅，有「日本第一美臀」、「極致翹臀」稱號的女記者宮河麻耶，今在PLG富邦勇士主場擔任開球嘉賓，她的好身材也引起現場觀眾矚目，而宮河麻耶也表示她印象最深刻的台灣球員是「野獸」林志傑。 「僅見形、僅見稜、以及那方雲霧，只因你身在其中。」古老的坦培拉技法，需要經過多層次的打磨、水墨罩染才得以維持薄霧痕跡，加上曹吉岡巧妙的山稜線留白、俐落簡約的線條，描繪出無為境界的詩意仙景。
在解嚴後的台灣，超現實主義成為了當代藝術家侯俊明（1963年生）、鄭在東（1953年生）的表 述武器。 他們毫不隱諱的將性愛與暴力放在了創作之中，直述著人們在當時不願談論的「另一種現實」。 在戰後同樣動盪的日本，攝影大師篠山紀信（1940年生）與植田正治（1913－2000） 在攝影中同樣追尋著超現實主義的可能性。 他們的超現實實踐更像是從現實的一種超脫，如篠山 紀信的奇幻彩色人像、植田正治在鳥取沙灘上所建構的「劇場」。
Pic via Each Modern 亞紀畫廊《Labbra Mirror Tribute to Man Ray》 在超寫實主義裡,紅嘴唇象徵人類的慾望、情慾是、感性與激情。 藝術家在花布上或用繪畫、或用針織，大方描繪出情與慾望的流動感，反思我們應該正視的身體需求，溫柔解放一直以來被視為禁忌的感知，承認其存在、感受其存在，然後擁抱。 位於實境計畫的《Dream Box》為徐瑞憲的作品，冰冷的機械零件，藝術家挹注了人性的溫暖青春記憶，將年輕時夢想機車「野狼125」化為小時候常玩的組裝式玩具模型。
亞紀畫廊: 亞紀畫廊超現實主義聯展《盜夢者 Paprika》將登場，赫見上世紀「元宇宙」奇異家具
Yaji：因為西方攝影美學這麼多年來，像當代的攝影師還是講求決定性的瞬間，我覺得這也是西方攝影美學歷久不衰的原因。 但森山大道就突破這點，雖然也是追求決定性的瞬間，但這個決定性並不是一個正確或完美，而是一種模糊的邊界，甚至覺得有一點像客觀的主觀。 Yaji：日本的燈片也不錯，但日本目前在尺寸上有很大的限制，而美國專長並不是在這種傳統輸出（conventional printing），比較在新式的 UV printing 部分。 本來有考慮使用UV printing，可是後來還是覺得傳統輸出比較符合森山的作品，因為我們想把森山最核心傳統的那一部分留住。 Yaji：對，我們為了要得到最好的品質，所以在日本和美國的輸出中心研究了很多，後來發現還是德國的這家最好，最值得去印製這些作品，所以我們就把森山的這個燈箱作品委託德國去製作。
往後延續到解嚴前後的 侯俊明、鄭在東，他們對現實的自我衝撞也充滿了那股超現實的變形與魔幻。 亞紀畫廊特別帶來超現實主義聯展《 盜夢者 Paprika》，，將西方超現實主義的啟蒙延伸至亞洲及台灣的超現實實踐。 BeautiMode創意生活風格網為宏麗數位創意股份有限公司旗下最具時尚商業知識的線上媒體，我們從人文角度出發，報導國內外優秀的時尚與娛樂產業工作者及創意人士，推動台灣新銳品牌，探索影視美學…期望透過我們深入淺出的介紹，讓業內人士或產業門外漢都能對相關領域發展和脈動有更深入的了解與認識。 楊茂林則擅長以詼諧而深刻的手法創作，展出作品致意當代社會對二次元文化的信仰，將卡通人物與漫畫人物與佛教形象連結，作品《持劍的大魔明王 參》近距離可以看見木頭部分以細膩而精巧的雕刻功法雕塑而成，人物背後燃起的火影上，圖畫表現使角色形象更加鮮明。 亞紀畫廊對細節的要求，不僅體現在上述的質感材料選配、線條到立面的呈現、照明或觀看角度的貼心設計，如果細心觀察，可以見到該空間的活動門無把手等突出物，皆是材質設計與牆面無異的隱形門，讓人在觀覽作品時能不受空間干擾。 從一樓通往二樓的樓梯，即延伸門面元素，以淺色原木板材鋪設，再加上富紋理的白色凱恩礦物塗料牆面，以及極簡優美的線條呈現，讓觀者從踏進內部開始，即擁有溫潤舒適且精緻高級的感受。
在新作中仍可見藝術家常有的柔和沖淡⾊調，然而其筆下富個⼈特⾊的修長⼈物展現了一種可以稱作電影感的風格，邀請觀眾把自己投射到⼀個個精⼼設計的場景中。 擅長各類藝術技法的姚瑞中，此次展出「金碧山水」作品系列以國畫體裁勾勒，臨摹元朝繪畫並融合自身觀察創作，翻轉不合時宜的傳統山水，重新入世來到當代意象。 變身社會觀察家，以現代觀換位欣賞金碧山水中的古代文人，也許會別有一番箇中趣味呢。 「東京現代（Tokyo Gendai）」以新聞稿宣布，將由聯合創辦人任天晉指導，展會總監由日本獨立藝術顧問Eri Takane擔任。
亞紀畫廊: 亞洲全新國際藝博東京現代 台灣畫廊創辦人任評審委員
拆解的各個元素零件，就像召喚著你的記憶，時光倒轉到少年時光，彷彿再次透過零件的重新組裝，便能夠重回那青春情懷總是詩的年紀。 薛保瑕長久以來選擇抽象語彙進行創作表現手法，以冷色調和暖色調的符號表現衝突，傳達混合性的現實，視線所認為的主線段上似乎還有另一條主線，線段層層堆疊再組構，如同現實中沒有絕對的主角、絕對的配角，也不只有唯一的故事。 看著這些畫，你成了上帝視角，這些重疊又分離的主線、支線，又或許呼應著這世界對平行時空或多重宇宙的疑問。 如同疫情下最常被提到的「滾動式調整」、「適度更新」等關鍵字，此次十大畫廊於「ART POWER」展區所提出名為《例外狀態》的展中展單元，便是也延續這樣的「新常態」情境。 畫廊主們以「例外於主題展區」為核心，藉由繪畫、雕塑、錄像、數位互動、行為表演等多元媒介，重新透過策展詮釋對「例外狀態」的意義與想像。
另一方面，強調資本主義在日常生活物的痕跡、提出「資本主義現實主義論」的赤瀬川原平（Genpei Akasegawa），也與中平卓馬於1971年7月到12月，於《映畫批評》進行連載〈見赤馬〉。 〈見赤馬〉的題名明顯來自革命作家薩文科夫（Boris Savinkov）的小說〈見黑馬〉（日本1968年由現代思潮社翻譯出版），赤瀬川原平與中平卓馬共同在其中傳達了對革命的崇拜與失望。 最終，1972年赤瀬川原平的《湯瑪森默示錄》開始以超藝術的方式，對這時代的前衛藝術做一個總結。 物派藝術家傾向呈現自然或工業材料，例如石頭、土壤、木材、紙張、布料、鋼板等，這些東西可以單獨使用，也可以互相結合，自然物體與物件不再被以物質思考，而是其本身具有重大意義與自主性。
亞紀畫廊: 從現實躍入夢境 超現實主義大師曼雷經典現身亞紀畫廊「盜夢者 Paprika」聯展
2018年3月，亞紀畫廊在台北市大安區信義路上成立，迄今已過了三年又四個月。 畫廊的開幕首展由日本攝影大師森山大道「Radiation」拉開序幕，帶來許多代表畫面的燈箱作品。 亞紀畫廊 之後，該空間接續展出了台灣戰後攝影家鄧南光的珍貴間諜相機作品；日本當代藝術家鈴木展的超大型繪畫；以及台灣旅巴西藝術家林亦軒的抽象繪畫。 周世雄，台灣當代藝術家，出生於台北，畢業自英國倫敦藝術大學中央聖馬丁學院藝術系學士、美國耶魯大學藝術研究所雕塑系碩士。 藝術創作生涯啟蒙於倫敦，2012年首度展出「石油畫」系列作品，於歐洲受廣大迴響。 同年於英國皇家藝術研究院展出，2013年為英國藝術年鑑評為年度最佳新銳藝術家之一，2014年獲台灣高雄獎肯定。
對於無意義、與本文無關、明知不實、謾罵之標籤，聯合新聞網有權逕予刪除標籤、停權或解除會員資格。 台北市政府12月16日熊好券終極加碼，只要有登記的民眾通通多發兩張加碼券，被議員質疑是浪費預算大撒幣，台北市長柯文哲解釋，這是在原定的預算內執行，不過卻有議員發現，終極加碼這個活動，經過計算後比預算的金額超出1.8億元，根本是讓下任市長背黑鍋。 在觀看藝術展品的同時，靠近一步將目光落在背面的牆體上，會發現白牆面並非光滑單調，而是有著細緻顆粒的蛋殼紋理。 寒流這兩日襲台，但對中央執政民進黨來說，寒流早在兩週前起就開始猛烈吹拂，迄今未歇。
亞紀畫廊: 亞紀畫廊負責人—黃亞紀 眼中的森山大道
Yaji：我覺得藝術家是世界上最難的工作，而且是最孤獨的工作，雖然我不知道要怎麼突破，但我有一個滿狠建議，就是如果你今天沒有企圖去做一件讓你成名的事情，那這條路可能不適合你。 如果一個藝術家只是覺得喜歡這件事情，沒有企圖成為最棒的話，真的需要重新思考，所以你要有企圖心，你要願意付出所有的東西。 Yaji：突破是非常難的，我如果知道怎麼做，應該就去做藝術家了吧（笑）。 但我覺得要很深刻去思考才有機會突破，不是思考說要創作哪些觀念，而是去思考什麼才是唯一屬於自己的東西。
Stewart所創造的獨特單一麥芽威士忌系列，以百富蜂蜜水果風味為基礎，每種酒款都有其獨特的風味，豐富而順滑。 百富致力於打造百富獨特品味的五大特有工藝，堅持自己種植大麥、手工鋪地發芽、並自聘銅匠和桶匠，這使得百富成為手工製作的單一麥芽威士忌之最。 亞紀畫廊 畫廊地址｜台灣台北市中正區信義路二段79巷38號；辦公室地址｜台北市中正區仁愛路二段12號7樓 / 週二~週六 12 p.m. 在本次展出的三件作品中，母親的斷裂或乾掉的口紅仍散發著時髦的光暈，然而它們又有點像子彈，碰碰地擊打著也曾失去至親的我們。
亞紀畫廊: 日本攝影大師石內都，台灣首次個展登場：從女性身體、母親遺物談「生命中的面對」，亞紀畫廊為期一個月展出
個人展出《等我一億年 Wait Until It Dries》2015 年首度於倫敦舉行，2016 年巡迴至台灣，於台北市立美術館舉行。 等我一億年展出受台灣台新藝術獎提名，展覽空間設計先後獲德國 iF 設計獎、德國 亞紀畫廊 Reddot 紅點設計獎、日本 Good Design 設計大賞、台灣 TID 室內設計大獎、台灣金點設計獎肯定。 石內都在拍攝物件時，通常會將物件放置於平面，如窗戶、 地上、桌面等，再以近距離的姿勢拍攝，這些物件不會被花俏的擺置，而是處於使用中或剛使用完的些微凌亂狀態，汲取出遺物「還活著」的生命姿態。 在本次展出的三件作品裡，母親的斷裂或乾掉的口紅仍散發著時髦光輝，它們有點像子彈，像是擊打著也曾失去至親的我們。 出生日本群馬的石內都，曾於日本最知名的多摩美術學院（現多摩美術大學）學習設計與織品，同時她也開始自學攝影，並在 2014 年成為第三位獲得哈蘇國際攝影獎的日本藝術家，更是首位獲得該獎項的亞洲女性。
將女性意識帶到中國山水畫之中，巧妙地藉著水墨藝術中最基礎的「皴法」技法，藉由藝術進行顛覆，展現當代的創新思維，富饒趣味。 Yaji：這個真的是兩難啦，沒辦法給出正確答案，就像剛剛講的藝術家應該付出一切盡可能去創作，但如果今天是我自己的朋友的話，我可能會說可不可以不要那麼累（笑）。 Ryan：像公司需要經營自己的品牌一樣，妳覺得藝術家有需要去經營嗎？ 新聞攝影記者出身的高仲明長期關注弱勢的社會底層，他信奉「無冕王」須堅守的道德責任。
石內都開啟攝影生涯後，便在洛杉磯 J・保羅・蓋蒂博物館與橫濱美術館舉辦過大型個展，也曾於紐約古根漢美術館、威尼斯雙年展、舊金山現代美術館中展出，其細膩且刻劃人心的作品更獲得紐約現代美術館、紐約大都會博物館、洛杉磯 J・保羅・蓋蒂博物館、舊金山現代美術館、芝加哥藝術博物館等重要機構典藏。 森山大道的作品受國際重要機構的廣泛展示與收藏，包括紐約現代美術館、舊金山現代 美術館、紐約大都會美術館、洛杉磯蓋提美術館、波士頓美術館、巴黎龐畢度中心等。 近來重要的個展包括泰德美術館（與William Klein，2012）、卡地亞當代藝術基金會（2016）、日本國立美術館，大阪（2011） 等。
挑釁與物派的思想核心，都圍繞著思考下列問題：如何透過結束表象來超越西方現代主義？ 就像當我們剖析李禹煥、小清水漸的作品時，會發現在亞洲經濟發展之下對生產力過剩的反省，以及當代藝術與社會中圖像的超載，是兩位藝術家創作持續碰觸的尖銳特徵。 李禹煥設想著他的雕塑不僅是關於周圍環境，還包括對整個城市與空間的評斷；小清水漸藉由物件表面與身體空間嘗試理解現實世界－所有這些概念，都貫穿在中平卓馬1970年代兩組大型攝影裝置中：《循環》和《氾濫》。 Each Modern 亞紀畫廊很榮幸帶來超現實主義聯展「盜夢者 Paprika」。
Yaji：我覺得所謂經典的形成，主要還是在於作品的一種深刻力量，就像展覽的《野犬》就是經典。 雖然森山說自己的作品都只是拍攝物品的表層，但當做到極致的時候就會變成很深刻的東西。 這樣的搖晃式的模糊黑白照片的美學，我覺得滿日本的，甚至有某種禪學的另種表現。 Yaji：燈箱作品其實跟以前日本70、80年代街上常看到的招牌很相近。
亞紀畫廊: 日本攝影大師石內都個展首次登台！從皺紋與傷痕看見女人故事
1990年代初期，李元佳如何結合繪畫與攝影，顯示了他對日常物件的構圖，例如蘋果的再現；以及相紙上有點，有線，展示了李元佳駕馭抽象語言的能力，讓時間與空間在手繪照片上，呈現出李元佳看待世界的某一種視野。 黃亞紀更指出：李元佳的攝影作品多數在他生前製作時，下方都會襯上一張中國宣紙，很像是中國繪畫拓裱的概念；對李元佳而言，這些手繪作品具有很高繪畫含義。 1月的台北，藝術盛宴熱鬧滾滾，身為地主的台北畫廊也使出渾身解數，其中，亞紀畫廊推出的「李元佳與年輕藝術家」展覽，無疑是最受本地乃至歐洲藝術圈關注的本地展覽之一。 藝術家李元佳在這幾年，從2014年的台北市立美術館（簡稱北美館）回顧展，再到這兩年開始升溫的市場，人們開始認真回溯追尋華人現代藝術不一樣的創作路徑，讓人們驚覺李元佳的獨特。 在戰後同樣動盪的日本，攝影大師篠山紀信與植田正治，在攝影中同樣追尋著超現實主義的可能性。
挑釁的宣言為「為了思想的挑發式資料」，強調透過攝影和批判性寫作以挑戰思維、以顛覆政治思想和意識形態的既存面貌。 雜誌《挑釁》共出版三期，每期僅印刷幾百本，他們的獨立性與時代的集體精神形成鮮明對比，可說是當時在東京經常可見、由匿名學生團體獨立出版的「抗爭手冊」的延續。 無論是《挑釁》，或是各種激動的「抗爭手冊」，這些書都是在一種幻滅的背景下誕生－在已經延續抗爭與動盪十年，卻毫無結果之時。 但是，與其他「抗爭手冊」的紀實風格不同，挑釁成員抓住了一種主觀的、零散的、爆炸性的方法，來捕捉正在經歷的世界。
亞紀畫廊: 台灣藝術市場的現況與未來 專訪Each Modern亞紀畫廊創辦人黃亞紀
2014 年，石內都獲得哈蘇國際攝影獎，既是第三位獲獎的日本藝術家，也是第一位獲獎的亞洲女性。 她曾在洛杉磯 J・保羅・蓋蒂博物館與橫濱美術館舉辦過大型個展，也曾於紐約古根漢美術館、威尼斯雙年展、舊金山現代美術館中展出，作品更獲紐約現代美術館、紐約大都會博物館、洛杉磯 J・保羅・蓋蒂博物館、舊金山現代美術館、芝加哥藝術博物館等重要機構典藏。 來自《SCANDALOUS》（2016）的作品拍攝了60年代的都市變化、車禍畫面、與用詩意角度拍攝的戰後日本。
- 森山覺得自己一直走在街上拍攝，如果哪天這些作品，尤其是拍攝街道的作品都變成招牌，再度回到街上之後會非常有趣。
- 1990年代中期，波爾克甚至受到報紙印刷錯誤的啟發，著手發展了名為《Druckfehler》（即「印刷錯誤」）的系列，探討大眾感知的脆弱性，以及人類試圖傳達單種意涵的內在問題。
- 以推動華人當代藝術為核心價值的誠品畫廊，多年來持續不斷透過各展覽活動，開啟華人藝術家之間的對話，而聯展「佇留 Lingering」即是如此，透過作品探索江賢二、郭淳兩位藝術家內心深處的情感記憶與留戀之所。
- 而真相是也許你會恍然覺得，人生如此百態不足為奇，因此你展現了嘴角那抹笑容。
- 藝術創作生涯啟蒙於倫敦，2012年首度展出「石油畫」系列作品，於歐洲受廣大迴響。
亞紀畫廊也於疫情之間推出緊密、新鮮的線上展覽項目，90後藝術家「令詠：素顏的女人」（至7月26日）、「周豊硯：活著」（至8月11日）皆已上線、廣受好評，「王濛莎：漣漪」（7月26日至8月26日）、「李吉祥：殘焦」（8月11日至9月11日）也將帶來兩位已知名的青年藝術家最新創作。 新址開幕之前，亞紀畫廊原空間（台北市大安區信義路四段156號）將繼續展出「林亦軒：一個叫木材的傢伙」至7月31日，而之後更將與仲方資本合作，在該址推出ACHI inspired by Each Modern展覽項目，採預約制開放高級貴賓欣賞。 在二樓，為保留建築原本的牆面結構，畫廊僅只拆除鷹架，簡化不必要元素，讓人得以在日本T8燈管的均光中，自然觀覽挑高天花板下的各式創作。 畫廊特別請到色彩顧問，使用精密儀器量測展強色溫亮度，讓觀者能如許多國外藝廊美術館一般，欣賞作品的每一個細節。 其不斷挑戰當代藝術邊界，以「體驗」為核心的策展模式，也在此次《例外狀態》展中展完美呈現。 王煜松對於「例外」的詮釋在於過去，因為「眼前的廢墟殘件，都是空間中曾經存在的過去。」這件球體作品是他從淡水住家，一路沿途在海灘撿拾貝殼所製作成的球體，以自身生活環境擴及偽歷史的考古，從藝術家的「思考途徑」提出例外。
1930年代因反戰時代思維盛行，超現實主義開始在歐洲興起；1940年代則因逃離歐洲的藝術家而流傳至美國，後來超現實主義既成了抽象表現主義的養分，也進而蔓延至全世界。 該年度中，原空間也展出了首位合作的歐美藝術家安通庫恩斯特；中國當代藝術家徐渠的大型布面郵票作品；集結了艾未未、王廣義、曾建穎、王挺宇、陳曉朋等藝術家的「古今一：超越」聯展；森山大道的經典絹印作品；以及匯集秦松、廖繼春、席德進、藍仲軒、李立中、高俊宏、吳其育，探討台灣時代進程的聯展「情歌」。 畫面中鮮明筆直的人造物和背後綠意盎然的世界顯得格外違和，讓我們能透過劉致宏的鏡頭，自然而然地了解他對於「例外」的細膩觀察，露出會心一笑。 1969年，森山大道在《朝日相機》雜誌上連載了《事故》－這系列的作品在2016年重新編輯並更名為《Scandalous》－是由報紙、電視、電影、海報、名人照片中複製破裂圖像的實驗，以批評大眾媒體的混亂與偷窺。 《Scandalous》透過絲網印刷，使圖像在三次曝光與顯影中於上下文本之間轉移，宣告了圖像的混沌性與開放性。 在比較波爾克和森山大道時，我們發現每種創作之間都存在斷裂的形式和悲觀的空虛，以及背後對經典的統一與和諧－即文化崇高的殘餘的重新省思。
擔當檢討敗選原因的桃園市長鄭文燦於本月17日接受訪問時指出，這次有許多年輕人或年輕家庭選擇了沉默，沒有投票，這需要誠實… 亞紀畫廊 而在立體作品方面，徐永旭將泥土的本質捏造出柔和的姿態，細膩的線條與間隙，可以看出大量時間工程的付出，造就泥土創作中少見的大與薄。 克拉爾則以金屬雕塑表現日常符號，看似熟悉又陌生的元素，以幾何形式表現氣流性與動感張力。
那另一個連結就是森山其實一直在追求光，也曾經提到：「攝影最好的載體本身就是光。」森山認為攝影其實是一個光表層上面閃爍的東西，攝影不一定是一個平面的呈現。 由於這幾點我們認為森山的作品跟燈箱是有很大的連結性，所以最後就完成了這個展覽。 1968年森山大道加入影響日本藝術深遠的先鋒攝影團體「挑釁」，自此五十年間未曾間斷地擴展攝影的極限。 儘管森山大道現今已是日本攝影大師，依舊持續拍攝，並對攝影藝術抱有無限可能性。 這次在Each Modern 亞紀畫廊的開幕首展—「森山大道：Radiation」展現的燈箱作品，不但強調森山主張「攝影是一種表層」的力量，也同時加深且回應了記憶的片斷性。 《Pop Noir》的作品同時也呼應了40至50年代黑色犯罪電影的表現主義。
他們的超現實實踐更像是從現實的一種超脫，如篠山紀信的奇幻彩色人像、植田正治在鳥取沙灘上所建構的「劇場」。 解嚴後的台灣，侯俊明將性愛與暴力加進創作之中，透過藝術展現他人不願面對的另一種現實。 在今年的台北當代藝術博覽會中，藝術愛好者與藏家同樣可於亞紀畫廊的展位欣賞侯俊明的近年新作。 透過《盜夢者》聯展，我們可見不同藝術家對於超現實主義如何產生共鳴，而他們又如何透過作品，反映自身創作年代的心境並映射出現實中所產生的矛盾張力，將源自西方的超現實主義啟蒙延伸至亞洲與台灣的超現實實踐。 亞紀畫廊新聞稿指出，台灣當代藝術家侯俊明 1963 年出生於台灣嘉義縣六腳鄉，以「六腳侯氏」署名，自80、90年代開始創作有神話人物的前衛大幅版畫作品，也是其最廣為人知的代表性作品；同時，他也開始在台灣常見的花布上進行繪畫，描繪了許多大膽而叛逆的性器與詭異人物。 (台灣英文新聞/藝文組 綜合報導)亞紀畫廊將於台北當代帶來侯俊明個展，包含藝術家最新的花布繪畫系列，及早期油畫，特別規劃「禁山刺青秀」刺青師 Sic Lee 將於5月19日預展當天舉辦限時刺青活動。
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